Habiendo enfrentado previamente temas clave de britpop, rock, northern soul y más entre sí, Steve Lamacq celebró algunos de los favoritos de la época disco de los años 70 en un enfrentamiento en la pista de baile en septiembre de 2017. Para hacer girar la bola de purpurina, el experto en música disco, el profesor Tim Lawrence, de la Universidad de East London y autor del libro sobre la historia de la música dance Love Saves the Day, nos ayudó a explorar seis formas en las que el género cambió el mundo. 1. Salvó el baile. Tim Lawrence afirma: La música disco fue uno de los movimientos culturales y musicales más influyentes de la década de 1970. Fue la plataforma a través de la cual el baile social volvió a ser un fenómeno popular tras su desaparición a finales de la década de 1960. La música disco repopularizó el baile como actividad social a nivel internacional, pero también fue responsable de la introducción de un nuevo estilo de baile libre. Antes de la música disco, todas las formas de baile social implicaban a un hombre y una mujer bailando juntos. A menudo, para entrar a los locales, era necesario llevar a alguien del sexo opuesto, e incluso si conseguías entrar sin él, para salir a la pista de baile era necesario estar en pareja. La música disco rompió con esto. Bailar disco fue la primera vez que la gente podía salir a la pista de baile individualmente, lo que permitió una nueva forma de libertad y expresión. Con las parejas bailando, hay que evitar bailar de puntillas o algo similar, para no poder concentrarse en el DJ. Sin embargo, la nueva forma de bailar disco también permitió a la gente experimentar la sensación de formar parte de una multitud por primera vez. Y este colectivo de la pista de baile ejerció un fuerte poder sobre la dirección que tomaba la música a través de sus reacciones. Este cambio tuvo grandes consecuencias no solo en lo que se escuchaba, sino también en cómo interactuaba la gente. 2. Provocó el auge del DJ. Tim Lawrence dice: En 1970, con una semana de diferencia, David Mancuso, en una fiesta privada que pronto se llamaría The Loft, y Francis Grasso, en la discoteca The Sanctuary, comenzaron a desarrollar esta nueva forma de lo que hoy llamamos DJing. Fue la primera vez que los DJs, de forma enfocada y concentrada, seleccionaron música en respuesta al público. Las técnicas de mezcla de DJ y el auge del DJ como una nueva forma de músico comenzaron principalmente en Nueva York en la década de 1970. Por ejemplo, en el Reino Unido, hasta finales de la década, ¡los DJ anunciaban los nombres de las canciones entre cada pista! Los DJ neoyorquinos sabían que los bailarines querían sumergirse en los discos gracias a la nueva forma de bailar con el público. Desarrollaron todas estas técnicas para mejorar esa experiencia. Comenzó con Grasso usando auriculares para escuchar el disco entrante y así poder mezclarlos y mantener un flujo continuo. Los DJ comenzaron entonces a explorar maneras de extender los discos, por ejemplo, comprando dos copias del mismo sencillo y mezclándolas. Diría que, considerando todas las técnicas de DJ que existen hoy en día, el 90 % se desarrolló durante la música disco de los 70. En muchos sentidos, las habilidades de los DJ de música disco superaban las de hoy. No solo creaban sesiones de diez horas con fuertes arcos musicales —viajes realmente inmersivos—, sino que combinaban el contenido lírico con las secciones instrumentales. Es un arte que rara vez escuchamos hoy en día. Los DJs eran los expertos orgánicos de esta cultura. Eran aficionados a la música que querían pinchar discos y apenas se ganaban la vida con ello. Carecían de formación y habilidades musicales convencionales, pero desarrollaron una sensibilidad muy refinada y receptiva a la cultura que contribuyeron a crear. 3. Inspiró la liberación social Tim Lawrence dice: De hecho, hasta 1971, era ilegal en la ciudad de Nueva York que dos hombres bailaran juntos, por lo que la nueva forma de bailar disco en grupo, en lugar de en parejas, tuvo un gran impacto en la escena gay neoyorquina. Sin embargo, la conexión es mucho más profunda. En 1970, en parte como respuesta a la liberación gay que se venía gestando en la década de 1960 y que alcanzó su clímax simbólico en junio de 1969 con la Rebelión de Stonewall, Seymour y Shelly —propietarios de varios locales gay en el West Village de Nueva York— compraron The Sanctuary, una discoteca en decadencia, y la reabrieron como un lugar que acogía a hombres gays. Nunca fue un club exclusivamente gay, pero dejaron claro que eran bienvenidos. Y este nuevo público cambió la dinámica de la pista de baile. De hecho, Francis Grasso [el DJ de The Sanctury] dijo que su nueva técnica de mezcla se inspiró en este nuevo público. La energía era tan alta que empezó a mezclar discos para que no hubiera interrupciones. Así, la música disco, con su libertad, se convirtió en una forma de expresión para la cultura gay. Sin embargo, el público era muy diverso en los primeros años, por lo que muchos otros grupos también encontraron su lugar en la música disco. Afroamericanos, latinoamericanos y mujeres —y una mezcla de todas estas identidades— encontraron una forma de expresarse en la música disco. Fueron las personas que en la vida cotidiana eran marginadas y sufrían discriminación quienes sustentaron la energía de la música disco. Por ejemplo, muchas de las artistas más influyentes fueron mujeres afroamericanas que desarrollaron una relación muy sólida con el público gay. Cantantes como Grace Jones, Gloria Gaynor, Donna Summer… y la lista continúa, tenían letras sobre la supervivencia ante las dificultades y la resiliencia emocional que resultaban profundamente atractivas para el público gay del dance. Así que la música disco es una fuerza verdaderamente liberadora, y yo diría que la reacción contra la música disco a finales de los 70 fue, de hecho, un intento de culpar a los hombres homosexuales, afroamericanos y mujeres por los fracasos de la década. Quienes lideraron esa reacción, aquellos en la cultura dominante, fueron los demócratas que se pasaron a votar por los republicanos y llevaron a Reagan al poder en los 80. 4. Demostró cómo los sellos independientes podían vencer a las grandes discográficas. Tim Lawrence dice: Para 1978, la música disco vendía más que el rock en Estados Unidos, lo cual fue un gran shock para el mundo musical, ya que apoyaba fuertemente el rock. Cuando la música disco se popularizó, no contaba con el respaldo de ninguna de las grandes corporaciones. Al principio, eran los DJ quienes buscaban discos para pinchar. Por lo tanto, los sellos discográficos independientes fueron cruciales para el desarrollo de la música disco. Un sello llamado Sceptre Records fue uno de los primeros en detectar lo que ocurría en las discotecas, por lo que empezó a encargar discos específicamente para el mercado disco. Otro sello independiente, Salsoul, se dio cuenta de que los bailarines querían tener sencillos de 12 pulgadas que grababan para DJs, así que en 1976 fue el primer sello en lanzar uno comercialmente, lo que se convirtió en una base fundamental para la cultura dance en general. Así que la música disco fue un gran momento para demostrar la agilidad de los indies y su capacidad de reaccionar rápidamente a la música callejera. Fue a finales de los 70 que Warners se convirtió en la primera gran disco en abrir un departamento, y eso fue solo unos meses antes de que comenzara la reacción negativa contra la música disco. 5. Inventó el remix Tim Lawrence dice: « Las remezclas no solo surgen de la música disco; también existía una cultura de remezclas en Jamaica», pero las remezclas cobran auge en Nueva York en los años 70, y de nuevo los indies tuvieron una gran influencia. En 1976, Salsoul encargó una remezcla de la canción «Ten Percent» de Double Exposure, lo que marcó un momento explosivo en la creación musical. La diferencia clave fue que invitaron a un DJ, Walter Gibbons, a remezclar el disco para la pista de baile. Esto resultó ser un escándalo y muchos productores se sintieron muy ofendidos. Hasta entonces, habían tenido el control de la creación musical y les molestaba mucho lo que los remezcladores hacían con su trabajo, sobre todo porque eran DJs sin formación en estudio y sin saber tocar instrumentos. Sin embargo, las discográficas comprendieron que los DJs estaban en una posición mucho mejor para hacer remezclas porque estaban en los clubes seleccionando música en respuesta a la energía del público que bailaba y podían ver qué los impulsaba a salir a la pista. Así que el remix, que ahora es omnipresente, cobró protagonismo gracias a la música disco. 6. En realidad sigue cambiando el mundo... Tim Lawrence dice: El problema de la música disco es que se convirtió en un producto deslucido debido a la intensa comercialización a finales de los 70, lo que significó que se asociara con el fracaso y el mal gusto de esa década. Mientras que la música disco y dance de principios de la década era musicalmente variada, innovadora y culturalmente progresista, la cultura dominante copió lo incorrecto. Abrieron muchas discotecas suburbanas y la película Fiebre del sábado noche fue un éxito rotundo, pero esa idea de la música disco no funciona. La música no es tan buena, es un regreso al baile en pareja, las luces intermitentes son exageradas y... y no se puede bailar con un traje de poliéster, diga lo que diga John Travolta. Así que hubo una reacción negativa contra esa versión de la música disco y, por desgracia, eso es lo que la gente recuerda ahora cuando piensa en ella. De hecho, lo mejor de la auténtica cultura disco sobrevive. La música disco contribuyó al desarrollo de la tecnología de sistemas de sonido, mezcladores, altavoces, iluminación... todo el equipo de discoteca, mientras que, en la grabación, impulsó el sintetizador a la vanguardia de la música popular. Así que la música disco sentó las bases de la cultura de la música dance contemporánea. Y una vez que se desató la reacción, la escena disco neoyorquina no perdió el ritmo, resurgió y, en cierto modo, se convirtió en la base de la música house. El house es, en muchos aspectos, una versión electrónica de la música disco auténtica. El nombre disco murió por su sobrecomercialización, pero casi todo lo demás sobrevivió.
La capital regional se prepara para recibir uno de los eventos más esperados de la temporada. El próximo martes 30 de septiembre, a partir de las 19:00 horas, el salón Ballroom de Enjoy Antofagasta abrirá sus puertas para dar vida al Desfile de Moda Primavera-Verano 2025. Una velada que combinará las últimas tendencias en vestuario y peinados con un propósito solidario, apoyar a la Corporación Oncofeliz Antofagasta en su labor con los menores con cáncer de la región y sus familias. Este encuentro de moda reunirá a destacados exponentes del mundo del diseño y la estética regional. La reconocida Boutique Duna Vásquez presentará su colección Primavera-Verano 2025, una propuesta que promete sorprender con diseños frescos, coloridos y elegantes, pensados para resaltar la personalidad y el estilo de cada persona. Se suma a esta iniciativa, el talentoso equipo de Jhonathan Salón, quienes serán los encargados de los peinados y maquillaje, aportando un toque de sofisticación y vanguardia para cada modelo que desfile por la pasarela. Más que una simple muestra de moda, el evento busca transmitir un mensaje de unión y compromiso social. “Este desfile es también una invitación a que la comunidad de Antofagasta se una en torno a una noble causa. A través de la moda, se busca recordar que la belleza no solo reside en lo que se ve, sino también en los gestos de solidaridad y apoyo hacia quienes atraviesan momentos complejos. Cada entrada adquirida será un paso más para que la Corporación Oncofeliz continúe su misión que es apoyar a casi 70 niños y jóvenes oncológicos y siga entregando esperanza a quienes la necesitan”, comentó Rafael Bannura Durán, Presidente de la Corporación Oncofeliz. La Corporación Oncofeliz, institución que recibirá los fondos recaudados, trabaja día a día para acompañar a quienes enfrentan el cáncer infanto juvenil, entregando apoyo emocional, social y económico, además de generar espacios de contención y esperanza tanto para los pacientes como para sus familias. Iniciativas como este desfile permiten que su labor se fortalezca y llegue a más personas que lo necesitan. La adhesión al evento es de $20.000 y ya pueden adquirirlas en distintos puntos de la ciudad, como las oficinas de Oncofeliz, ubicadas en el Edificio Pukará, oficina 1003, calle Matta 1868; la Boutique Duna Vásquez, en O’Higgins 1388 y Jhonathan Salón, en Manuel Verbal 1592. Informaciones y tarjetas a los WhatsApp +56984204123 y +56998719351 El salón Ballroom de Enjoy Antofagasta será ambientado especialmente para la ocasión, creando un espacio donde la elegancia, la música y la iluminación se combinarán para ofrecer una experiencia visual única.
La segunda visita de Estado de Donald Trump al Reino Unido no solo estuvo marcada por los desfiles militares, banquetes oficiales y encuentros cargados de simbolismo, sino también por un gesto inesperado que generó titulares alrededor del mundo. Durante el saludo a los reyes Carlos y Camila, Melania Trump decidió omitir la tradicional reverencia que suelen hacer las mujeres al encontrarse con miembros de la realeza británica. Un detalle aparentemente mínimo que, sin embargo, acaparó gran parte de la conversación mediática y pública. La expectativa alrededor del viaje presidencial ya era elevada. En el marco de los actos oficiales, Melania Trump y la princesa de Gales, Kate Middleton, protagonizaron un esperado reencuentro. La princesa de Gales brilló con un vestido burdeos de Emilia Wickstead, complementado con un sombrero de Jane Taylor valorado en más de 2,900 dólares y un delicado broche de plumas que aportaba un aire sofisticado a su atuendo. La duquesa, fiel a su estilo clásico y elegante, mostró una vez más por qué es considerada un referente de moda y diplomacia en la realeza. Por su parte, Melania no pasó desapercibida con un traje gris oscuro de Christian Dior, combinado con un sombrero morado de ala ancha que cubría parcialmente su rostro y añadía un toque de misterio. La primera dama, reconocida por su estilo impecable y su capacidad de proyectar autoridad a través de la moda, volvió a utilizar su vestuario como una declaración sutil, marcando distancia respecto a las reglas tradicionales del protocolo británico. Más allá de la polémica por la reverencia, Melania también generó conversación con su vestuario durante el banquete en el Castillo de Windsor. La primera dama eligió un llamativo vestido amarillo de alta costura con una falda amplia y mangas vaporosas que rápidamente fue calificado de “escandaloso” por su intensidad cromática y su volumen, en contraste con la sobriedad tradicional que suelen marcar este tipo de cenas de Estado. Para algunos críticos, la elección fue un gesto arriesgado que buscó robar protagonismo en una velada de rígido protocolo. El momento que captaron las cámaras fue claro: mientras Donald Trump ofreció un apretón de manos cordial, Melania tampoco inclinó la cabeza ni realizó la reverencia esperada. Esta ausencia de gesto despertó de inmediato preguntas sobre si se trataba de un descuido, una señal política o incluso un error diplomático. Sin embargo, la propia Casa Real británica se apresuró a aclarar cualquier malentendido a través de su página oficial, donde explican que “no existen códigos de comportamiento obligatorios al conocer a un miembro de la Familia Real” . En otras palabras, la reverencia es una tradición que muchas mujeres eligen mantener como signo de respeto, pero no constituye una obligación formal. Melania Trump, en un ejercicio de naturalidad y sin caer en las convenciones más rígidas, optó simplemente por estrechar la mano de los reyes. Este gesto, lejos de ser una falta de etiqueta, se convirtió en un recordatorio de que la diplomacia moderna puede ser más flexible de lo que solemos imaginar. Expertos en protocolo coincidieron en que la actitud de la primera dama refleja una tendencia más contemporánea en las relaciones internacionales, donde los símbolos de poder y deferencia se reconfiguran constantemente. Para algunos, la decisión de Melania fue vista como un acto de independencia y seguridad personal; para otros, como una omisión poco diplomática. Lo cierto es que, intencional o no, la primera dama de Estados Unidos volvió a dejar huella durante un viaje oficial en el que cada detalle se examina bajo la lupa global. Fuente: Publimetro
Habiendo enfrentado previamente temas clave de britpop, rock, northern soul y más entre sí, Steve Lamacq celebró algunos de los favoritos de la época disco de los años 70 en un enfrentamiento en la pista de baile en septiembre de 2017. Para hacer girar la bola de purpurina, el experto en música disco, el profesor Tim Lawrence, de la Universidad de East London y autor del libro sobre la historia de la música dance Love Saves the Day, nos ayudó a explorar seis formas en las que el género cambió el mundo. 1. Salvó el baile. Tim Lawrence afirma: La música disco fue uno de los movimientos culturales y musicales más influyentes de la década de 1970. Fue la plataforma a través de la cual el baile social volvió a ser un fenómeno popular tras su desaparición a finales de la década de 1960. La música disco repopularizó el baile como actividad social a nivel internacional, pero también fue responsable de la introducción de un nuevo estilo de baile libre. Antes de la música disco, todas las formas de baile social implicaban a un hombre y una mujer bailando juntos. A menudo, para entrar a los locales, era necesario llevar a alguien del sexo opuesto, e incluso si conseguías entrar sin él, para salir a la pista de baile era necesario estar en pareja. La música disco rompió con esto. Bailar disco fue la primera vez que la gente podía salir a la pista de baile individualmente, lo que permitió una nueva forma de libertad y expresión. Con las parejas bailando, hay que evitar bailar de puntillas o algo similar, para no poder concentrarse en el DJ. Sin embargo, la nueva forma de bailar disco también permitió a la gente experimentar la sensación de formar parte de una multitud por primera vez. Y este colectivo de la pista de baile ejerció un fuerte poder sobre la dirección que tomaba la música a través de sus reacciones. Este cambio tuvo grandes consecuencias no solo en lo que se escuchaba, sino también en cómo interactuaba la gente. 2. Provocó el auge del DJ. Tim Lawrence dice: En 1970, con una semana de diferencia, David Mancuso, en una fiesta privada que pronto se llamaría The Loft, y Francis Grasso, en la discoteca The Sanctuary, comenzaron a desarrollar esta nueva forma de lo que hoy llamamos DJing. Fue la primera vez que los DJs, de forma enfocada y concentrada, seleccionaron música en respuesta al público. Las técnicas de mezcla de DJ y el auge del DJ como una nueva forma de músico comenzaron principalmente en Nueva York en la década de 1970. Por ejemplo, en el Reino Unido, hasta finales de la década, ¡los DJ anunciaban los nombres de las canciones entre cada pista! Los DJ neoyorquinos sabían que los bailarines querían sumergirse en los discos gracias a la nueva forma de bailar con el público. Desarrollaron todas estas técnicas para mejorar esa experiencia. Comenzó con Grasso usando auriculares para escuchar el disco entrante y así poder mezclarlos y mantener un flujo continuo. Los DJ comenzaron entonces a explorar maneras de extender los discos, por ejemplo, comprando dos copias del mismo sencillo y mezclándolas. Diría que, considerando todas las técnicas de DJ que existen hoy en día, el 90 % se desarrolló durante la música disco de los 70. En muchos sentidos, las habilidades de los DJ de música disco superaban las de hoy. No solo creaban sesiones de diez horas con fuertes arcos musicales —viajes realmente inmersivos—, sino que combinaban el contenido lírico con las secciones instrumentales. Es un arte que rara vez escuchamos hoy en día. Los DJs eran los expertos orgánicos de esta cultura. Eran aficionados a la música que querían pinchar discos y apenas se ganaban la vida con ello. Carecían de formación y habilidades musicales convencionales, pero desarrollaron una sensibilidad muy refinada y receptiva a la cultura que contribuyeron a crear. 3. Inspiró la liberación social Tim Lawrence dice: De hecho, hasta 1971, era ilegal en la ciudad de Nueva York que dos hombres bailaran juntos, por lo que la nueva forma de bailar disco en grupo, en lugar de en parejas, tuvo un gran impacto en la escena gay neoyorquina. Sin embargo, la conexión es mucho más profunda. En 1970, en parte como respuesta a la liberación gay que se venía gestando en la década de 1960 y que alcanzó su clímax simbólico en junio de 1969 con la Rebelión de Stonewall, Seymour y Shelly —propietarios de varios locales gay en el West Village de Nueva York— compraron The Sanctuary, una discoteca en decadencia, y la reabrieron como un lugar que acogía a hombres gays. Nunca fue un club exclusivamente gay, pero dejaron claro que eran bienvenidos. Y este nuevo público cambió la dinámica de la pista de baile. De hecho, Francis Grasso [el DJ de The Sanctury] dijo que su nueva técnica de mezcla se inspiró en este nuevo público. La energía era tan alta que empezó a mezclar discos para que no hubiera interrupciones. Así, la música disco, con su libertad, se convirtió en una forma de expresión para la cultura gay. Sin embargo, el público era muy diverso en los primeros años, por lo que muchos otros grupos también encontraron su lugar en la música disco. Afroamericanos, latinoamericanos y mujeres —y una mezcla de todas estas identidades— encontraron una forma de expresarse en la música disco. Fueron las personas que en la vida cotidiana eran marginadas y sufrían discriminación quienes sustentaron la energía de la música disco. Por ejemplo, muchas de las artistas más influyentes fueron mujeres afroamericanas que desarrollaron una relación muy sólida con el público gay. Cantantes como Grace Jones, Gloria Gaynor, Donna Summer… y la lista continúa, tenían letras sobre la supervivencia ante las dificultades y la resiliencia emocional que resultaban profundamente atractivas para el público gay del dance. Así que la música disco es una fuerza verdaderamente liberadora, y yo diría que la reacción contra la música disco a finales de los 70 fue, de hecho, un intento de culpar a los hombres homosexuales, afroamericanos y mujeres por los fracasos de la década. Quienes lideraron esa reacción, aquellos en la cultura dominante, fueron los demócratas que se pasaron a votar por los republicanos y llevaron a Reagan al poder en los 80. 4. Demostró cómo los sellos independientes podían vencer a las grandes discográficas. Tim Lawrence dice: Para 1978, la música disco vendía más que el rock en Estados Unidos, lo cual fue un gran shock para el mundo musical, ya que apoyaba fuertemente el rock. Cuando la música disco se popularizó, no contaba con el respaldo de ninguna de las grandes corporaciones. Al principio, eran los DJ quienes buscaban discos para pinchar. Por lo tanto, los sellos discográficos independientes fueron cruciales para el desarrollo de la música disco. Un sello llamado Sceptre Records fue uno de los primeros en detectar lo que ocurría en las discotecas, por lo que empezó a encargar discos específicamente para el mercado disco. Otro sello independiente, Salsoul, se dio cuenta de que los bailarines querían tener sencillos de 12 pulgadas que grababan para DJs, así que en 1976 fue el primer sello en lanzar uno comercialmente, lo que se convirtió en una base fundamental para la cultura dance en general. Así que la música disco fue un gran momento para demostrar la agilidad de los indies y su capacidad de reaccionar rápidamente a la música callejera. Fue a finales de los 70 que Warners se convirtió en la primera gran disco en abrir un departamento, y eso fue solo unos meses antes de que comenzara la reacción negativa contra la música disco. 5. Inventó el remix Tim Lawrence dice: « Las remezclas no solo surgen de la música disco; también existía una cultura de remezclas en Jamaica», pero las remezclas cobran auge en Nueva York en los años 70, y de nuevo los indies tuvieron una gran influencia. En 1976, Salsoul encargó una remezcla de la canción «Ten Percent» de Double Exposure, lo que marcó un momento explosivo en la creación musical. La diferencia clave fue que invitaron a un DJ, Walter Gibbons, a remezclar el disco para la pista de baile. Esto resultó ser un escándalo y muchos productores se sintieron muy ofendidos. Hasta entonces, habían tenido el control de la creación musical y les molestaba mucho lo que los remezcladores hacían con su trabajo, sobre todo porque eran DJs sin formación en estudio y sin saber tocar instrumentos. Sin embargo, las discográficas comprendieron que los DJs estaban en una posición mucho mejor para hacer remezclas porque estaban en los clubes seleccionando música en respuesta a la energía del público que bailaba y podían ver qué los impulsaba a salir a la pista. Así que el remix, que ahora es omnipresente, cobró protagonismo gracias a la música disco. 6. En realidad sigue cambiando el mundo... Tim Lawrence dice: El problema de la música disco es que se convirtió en un producto deslucido debido a la intensa comercialización a finales de los 70, lo que significó que se asociara con el fracaso y el mal gusto de esa década. Mientras que la música disco y dance de principios de la década era musicalmente variada, innovadora y culturalmente progresista, la cultura dominante copió lo incorrecto. Abrieron muchas discotecas suburbanas y la película Fiebre del sábado noche fue un éxito rotundo, pero esa idea de la música disco no funciona. La música no es tan buena, es un regreso al baile en pareja, las luces intermitentes son exageradas y... y no se puede bailar con un traje de poliéster, diga lo que diga John Travolta. Así que hubo una reacción negativa contra esa versión de la música disco y, por desgracia, eso es lo que la gente recuerda ahora cuando piensa en ella. De hecho, lo mejor de la auténtica cultura disco sobrevive. La música disco contribuyó al desarrollo de la tecnología de sistemas de sonido, mezcladores, altavoces, iluminación... todo el equipo de discoteca, mientras que, en la grabación, impulsó el sintetizador a la vanguardia de la música popular. Así que la música disco sentó las bases de la cultura de la música dance contemporánea. Y una vez que se desató la reacción, la escena disco neoyorquina no perdió el ritmo, resurgió y, en cierto modo, se convirtió en la base de la música house. El house es, en muchos aspectos, una versión electrónica de la música disco auténtica. El nombre disco murió por su sobrecomercialización, pero casi todo lo demás sobrevivió.
La capital regional se prepara para recibir uno de los eventos más esperados de la temporada. El próximo martes 30 de septiembre, a partir de las 19:00 horas, el salón Ballroom de Enjoy Antofagasta abrirá sus puertas para dar vida al Desfile de Moda Primavera-Verano 2025. Una velada que combinará las últimas tendencias en vestuario y peinados con un propósito solidario, apoyar a la Corporación Oncofeliz Antofagasta en su labor con los menores con cáncer de la región y sus familias. Este encuentro de moda reunirá a destacados exponentes del mundo del diseño y la estética regional. La reconocida Boutique Duna Vásquez presentará su colección Primavera-Verano 2025, una propuesta que promete sorprender con diseños frescos, coloridos y elegantes, pensados para resaltar la personalidad y el estilo de cada persona. Se suma a esta iniciativa, el talentoso equipo de Jhonathan Salón, quienes serán los encargados de los peinados y maquillaje, aportando un toque de sofisticación y vanguardia para cada modelo que desfile por la pasarela. Más que una simple muestra de moda, el evento busca transmitir un mensaje de unión y compromiso social. “Este desfile es también una invitación a que la comunidad de Antofagasta se una en torno a una noble causa. A través de la moda, se busca recordar que la belleza no solo reside en lo que se ve, sino también en los gestos de solidaridad y apoyo hacia quienes atraviesan momentos complejos. Cada entrada adquirida será un paso más para que la Corporación Oncofeliz continúe su misión que es apoyar a casi 70 niños y jóvenes oncológicos y siga entregando esperanza a quienes la necesitan”, comentó Rafael Bannura Durán, Presidente de la Corporación Oncofeliz. La Corporación Oncofeliz, institución que recibirá los fondos recaudados, trabaja día a día para acompañar a quienes enfrentan el cáncer infanto juvenil, entregando apoyo emocional, social y económico, además de generar espacios de contención y esperanza tanto para los pacientes como para sus familias. Iniciativas como este desfile permiten que su labor se fortalezca y llegue a más personas que lo necesitan. La adhesión al evento es de $20.000 y ya pueden adquirirlas en distintos puntos de la ciudad, como las oficinas de Oncofeliz, ubicadas en el Edificio Pukará, oficina 1003, calle Matta 1868; la Boutique Duna Vásquez, en O’Higgins 1388 y Jhonathan Salón, en Manuel Verbal 1592. Informaciones y tarjetas a los WhatsApp +56984204123 y +56998719351 El salón Ballroom de Enjoy Antofagasta será ambientado especialmente para la ocasión, creando un espacio donde la elegancia, la música y la iluminación se combinarán para ofrecer una experiencia visual única.
La segunda visita de Estado de Donald Trump al Reino Unido no solo estuvo marcada por los desfiles militares, banquetes oficiales y encuentros cargados de simbolismo, sino también por un gesto inesperado que generó titulares alrededor del mundo. Durante el saludo a los reyes Carlos y Camila, Melania Trump decidió omitir la tradicional reverencia que suelen hacer las mujeres al encontrarse con miembros de la realeza británica. Un detalle aparentemente mínimo que, sin embargo, acaparó gran parte de la conversación mediática y pública. La expectativa alrededor del viaje presidencial ya era elevada. En el marco de los actos oficiales, Melania Trump y la princesa de Gales, Kate Middleton, protagonizaron un esperado reencuentro. La princesa de Gales brilló con un vestido burdeos de Emilia Wickstead, complementado con un sombrero de Jane Taylor valorado en más de 2,900 dólares y un delicado broche de plumas que aportaba un aire sofisticado a su atuendo. La duquesa, fiel a su estilo clásico y elegante, mostró una vez más por qué es considerada un referente de moda y diplomacia en la realeza. Por su parte, Melania no pasó desapercibida con un traje gris oscuro de Christian Dior, combinado con un sombrero morado de ala ancha que cubría parcialmente su rostro y añadía un toque de misterio. La primera dama, reconocida por su estilo impecable y su capacidad de proyectar autoridad a través de la moda, volvió a utilizar su vestuario como una declaración sutil, marcando distancia respecto a las reglas tradicionales del protocolo británico. Más allá de la polémica por la reverencia, Melania también generó conversación con su vestuario durante el banquete en el Castillo de Windsor. La primera dama eligió un llamativo vestido amarillo de alta costura con una falda amplia y mangas vaporosas que rápidamente fue calificado de “escandaloso” por su intensidad cromática y su volumen, en contraste con la sobriedad tradicional que suelen marcar este tipo de cenas de Estado. Para algunos críticos, la elección fue un gesto arriesgado que buscó robar protagonismo en una velada de rígido protocolo. El momento que captaron las cámaras fue claro: mientras Donald Trump ofreció un apretón de manos cordial, Melania tampoco inclinó la cabeza ni realizó la reverencia esperada. Esta ausencia de gesto despertó de inmediato preguntas sobre si se trataba de un descuido, una señal política o incluso un error diplomático. Sin embargo, la propia Casa Real británica se apresuró a aclarar cualquier malentendido a través de su página oficial, donde explican que “no existen códigos de comportamiento obligatorios al conocer a un miembro de la Familia Real” . En otras palabras, la reverencia es una tradición que muchas mujeres eligen mantener como signo de respeto, pero no constituye una obligación formal. Melania Trump, en un ejercicio de naturalidad y sin caer en las convenciones más rígidas, optó simplemente por estrechar la mano de los reyes. Este gesto, lejos de ser una falta de etiqueta, se convirtió en un recordatorio de que la diplomacia moderna puede ser más flexible de lo que solemos imaginar. Expertos en protocolo coincidieron en que la actitud de la primera dama refleja una tendencia más contemporánea en las relaciones internacionales, donde los símbolos de poder y deferencia se reconfiguran constantemente. Para algunos, la decisión de Melania fue vista como un acto de independencia y seguridad personal; para otros, como una omisión poco diplomática. Lo cierto es que, intencional o no, la primera dama de Estados Unidos volvió a dejar huella durante un viaje oficial en el que cada detalle se examina bajo la lupa global. Fuente: Publimetro
